Loie Fuller

               Nace en Chicago  en el año 1862, comienza su vida artística como actriz y luego comenzó a bailar en la danza burlesca, donde mas delante empieza a descubrir distintas técnicas de improvisación. Ni siquiera era esbelta y delgada, pero eso daba lo mismo en el momento en que comenzaba a bailar, para sus espectáculos inventaba nuevos sistemas de iluminación, ella misma creaba los aparatos escénicos y dirigía equipos de hasta casi 40 técnicos, ideaba el vestuario y finalmente eclipsaba el escenario agitando los brazos y manejando su cuerpo produciendo energía a borbotones; los movimientos se basaban en la disposición de los pétalos de las flores, en diferentes insectos y en fenómenos atmosféricos, "le bailaba a la naturaleza" era su inspiración, una de sus frases, "las hojas se mueven en armonía una al lado de la otra, pero ninguna igual que la otra".  

            Por error o por búsqueda a lo diferente empezó a trabajar con tejidos que flotaban y luces multicolores,  a partir de 1987 los títulos de sus coreografías son un poco mas externos: Butterfly, Mirror, The Flower, The Raimbow, Salome, Fire Dance, combinando luz y oscuridad asi como el juego del cuerpo y vestuario completan la investigación de esta artista en su nuevo arte. La Fuller casi como científica del arte sufre accidentes técnicos, como por ejemplo un día que explotan las sales de las luces y esta pierde su cabellera. Fue llamada bruja, ángel, mariposa, flor en movimiento, pero fue conquistadora humilde en el mundo del espectáculo luminoso y la danza.   

              

            La creadora vanguardista transportaba el baile y por eso inspiraba a intelectuales y artistas en tan diferentes campos, revestía sus coreografías de distintas disciplinas que nunca antes se habían relacionado con la danza, de la escultura de Auguste Radin, a los avances en el campo del radio que realizaban en aquellos años Pierre y Marie Curie, su veraz curiosidad le permitía interpretar el mundo como un contenedor de valiosos conocimientos. Sus movimientos no eran canónicos y respondían a la reacción espontanea del cuerpo cuando se deja llevar por la música, aunque en repetidas ocasiones dijo que "Una gran bailarina no necesita música, porque necesita ser libre al momento de crear, la música limita sus movimientos". 

            Trabajo principalmente en Europa, donde creo cerca de 130 danzas, en donde se encuentran los solos, DANZA DE LA SERPIENTE en 1890, DANZAS DEL FUEGO en 1906 y el BALLET DE LA LUZ en 1908, a demás de servir para modelo de los retratos de los artistas franceses Henri de Touloise y Auguste Rodin; también fue reconocida por los científicos franceses por sus teorías sobre la iluminación artística, se consideraba ser una bailarina muy autodidacta. Fue una virtuosa que rompió con el patrón de reglas establecidas y libero las conciencias de observadores y ejecutantes, abriendo las puertas de la danza moderna.   

            Ella dejo abierta una puerta a la nueva vía del porvenir, París y todas las ciudades en las que actuó le deben las emociones mas puras; ha despertado la grandeza de la antigüedad. Su talento siempre sera imitado ahora y su creación volverá a ser realizada siempre , pues ha sembrado efectos, luz y puesta en escena y todas esas cosas serán estudiadas eternamente.   

            Realizo una película llamada Le lys de la vie que fue estrenada en 1920, Los directores fueron Loie Fuller y Georgette Sorrere, la fotografia fue por parte de Andre Dantan y el reparto fue ocupado por Rene Clair, Margery Meadwous y Jean Paul- Le Tarare.  

            Murió en 1928. Acá les dejo un link de un libro que dedica su primer capitulo a contarnos toda la historia de vida de la gran Fuller. http://www.nytimes.com/books/first/c/current-loie.html       

Festival Del Movimiento

XXV

  

            Edición xxv del Festival del Movimiento, realizado desde su nacimiento en el estado Mérida, siendo en su época uno de los festivales más importantes y confluentes de ese entonces; actualmente es la plataforma de muchas agrupaciones, maestros y estudiantes de la Lic. en danza que por cierto, en dicho estado Mérida se cuentan con dos de estas licenciaturas, una por parte de la UNEARTE y otra por parte de la Universidad De Los Andes.

            Festivales como este no hace caer en una reflexión de saberes, tratándose como tema fundamental en este último conversatorio la danza contemporánea, ¿Cómo se forma la danza contemporánea?  ¿A que realmente le podemos llamar danza contemporánea? ¿En que se basan los interpretes para decir que bailan contemporánea? ¿Cuál necesario y permanentes es preguntarnos que es danza contemporánea? Sacar estas conclusiones y llegar a un acuerdo es una especie de necesidad actualmente. Isadora fue la creadora de la danza contemporánea siendo ella la primera bailarina e buscar una danza propia, quería encontrar una danza donde pudiese experimentar más allá de sus límites dejando a un lado la linealidad del ballet. Todos los interpretes o coreógrafos que digan bailar o montar danza contemporánea deberían antes estudiar cuales son los factores que Isadora uso para llamar a su danza contemporánea, y no realizar algo que no termina siendo contemporáneo por tener un significado muy vago de este concepto. 

            Ser bailarines es escoger el cuerpo como campo de abertura al mundo, el titulo de este festival hacía referencia a una danza propia, que luego terminamos por concluir que era mejor si le hacíamos referencia a un cuerpo que se apropia de todas las danzas, simplemente teniendo la posibilidad de narrar un momento en un espacio,   un espacio  que no puede ser delimitado, ni con sonido, ni con palabra, un espacio  amplio e su totalidad. Sin apartar del todo las ventajas de alguno de estos comodines como por ejemplo la música, siendo un factor importante, pero ¿realmente es necesario acoplarse a la música? O simplemente podemos usarla como un recurso enriquecedor, nos hemos acostumbrado a que para que algo este bien visualmente debe ir totalmente al ritmo  del fondo, aunque bailarinas famosas demostraron totalmente lo contrario, ir a contra ritmo puede ser muy agradable a la vista, y personalmente luego de realizar algunos ejercicios en mis clases de música y cuerpo puedo decir con una visión muy personal, que prefiero bailar al ritmo contrario que suena, pero sin dejar totalmente de escuchar la pieza, hay formas de apropiarse sin que se vea como todo un desastre; hay más libertad  tanto física como mentalmente a la hora de interpretar e incluso de crear.

            Muestra de eso fue la presentación de los profesores, realizada en el edificio San José, donde se pudo observar que no iban al ritmo de la pieza de fondo, no obstante se veía homogéneo y dentro de alguna capa musical de la misma pieza. Puede ser un limitante y a su vez el comodín más importante. Todos los cuerpos tienen un ritmo natural, desde el momento en que nacemos nuestro cuerpo adquiere un ritmo, un ritmo de vida principalmente, de allí influirán muchísimas cosas desde nuestra forma de caminar, hasta las horas que dormimos incluso de a qué hora comemos. La ciudad tiene un ritmo muy distinto al de un pueblo, las personas de la ciudad tienen un ritmo distinto al ritmo de las personas del campo nuestro entorno termina definiendo casi en su totalidad nuestro ritmo. “Uno es lo que hace, con lo que hacen con uno”.

            Factores como la expresión corporal y la tecnología también juegan papeles muy importantes, aunque para mi juega un papel más importante el tiempo; el tiempo de duración de una obra, de una puesta en escena. Creo que no debe existir un tiempo delimitante, en vez de  eso debe existir un buen tramo, una buena historia que contar, cuando se convierte en una puesta totalmente lineal allí es donde empieza a parecernos interminable, no hay nada que nos sorprenda.

            Otro de los puntos importantísimos tratados fue acerca de  que realmente es la coreografía y en qué momento nos encontramos en presencia de una coreografía, básicamente todos sabemos discernir entre cuando existe coreografía y cuando no, más de una persona bailando coordinadamente ya allí se refleja una coreografía ¿hasta qué punto es bueno mantener una coreografía? Personalmente creo que es sano permitirlo hasta el punto en el que el bailarín se sienta cómodo y no atado, no soy muy amiga de las coreografías, siento que me quitan libertad, que acoplarme a un grupo no me permite realmente llegar a mis limites o experimentar cuales serían esos límites. 

            Terminando con una gran interrogante que aún me quedo retumbando, ¿Quién piensa la danza y quien hace la danza? ¿Realmente el que hace a danza puede tomarse el tiempo de antes pensarla, verla, imaginarla, diseñarla y sentirla? O el que la piensa ¿realmente se atrevería a hacerla desde el punto y desde la base en que la pensó?

Diario de clase

Resumen de Investigando danzo y

 coreógrafos 2

Investigando danzo y coreógrafos 2, actividad que se realiza de manera extra ordinaria en el auditorio de la facultad de ingeniería forestal llevándose a cabo el día lunes 24 de octubre y culminando el martes 25 de octubre en horas de la tarde, se basó en  llevar a ponencias algunas de las investigaciones realizadas por estudiantes y docentes, partiendo de algunos trabajos de investigación de semestres anteriores o de  investigaciones que se realizaron con el fin de llegar a alguna conclusión más concreta, tratando de darle un significado más estable a algunos temas que aun andaban flotando en el espacio.

            Se mostraron algunos videodanza realizados por estudiantes que actualmente cursan el 2°do semestre, alguna de ellas fueron: Luciole videodanza realizada por los estudiantes Daniela Hermoso, Carreño Carlos y Vivas Oriana, Freedom videodanza realizada por los estudiantes Wilfredo Armas y Andrea Vivas, Brio videodanza realizada por los estudiantes Franklin Prieto y Keith Marrero,  siendo mi favorita Freedom, es una video danza que expresa la situación que se está viviendo en Venezuela, pasando por una edición casi excelente y cumpliendo con su cometido exponer un tema social de mucha contundencia.

  Se debatieron temas realmente importantes en los cuales al terminar la ponencia se abrió una mesa de dialogo, se discutieron algunos interrogantes llegando a respuestas bastante claras y concretas, algunas de las preguntas más constantes fueron: ¿para qué bailamos?   ¿Existe conciencia al momento de hacerlo? ¿Qué es una videodanza?  ¿En una videodanza bailamos para alguien o para algo? ¿El bailarín solo baila o también puede actuar?,   algunos puntos que personalmente me parecieron de real importancia fueron: Herramientas tecnológicas para la danza, teoría de la máscara, la virtualización del cuerpo: espacios e interacciones en la danza, este último siendo de mucho agrado ya que me hizo preguntarme algo: ¿Que tan real somos al bailar?  ¿Realmente lo que vemos en una videodanza es real o es simple edición  de video?, quizá tu sentido de la vista pueda ser engañado y no lo sabes.

            El programa se inició de la siguiente manera: en la mañana del lunes 24 se inició con una clase abierta de yoga dirigida por la profesora Francia Unda, luego se dio pie a una clase de Pilates dirigida por la profesora Carla Orive, alrededor de las 9 am se abrió el proceso de inscripción y registro para participantes y ponentes de dicha actividad, en la tarde se inició con la presentación de los videos de coreógrafos 2 se pasaron muestras de los participantes y de los ganadores, gustándome mucho Blue una videodanza realizada en argentina, presentada el segundo día, la cual me llevo a imaginar infinidad de cosas, infinidad de historias que podía narrar esa videodanza, todas causándome real inquietud por saber si algunas de esas historias que imagine seria la que esa bailarina quería transmitir con su cuerpo mediante un video, quizá quería expresa lo efímero de la vida o quizá solo que le gustaba sentir la suavidad de algo tan simpe como la arena, cualquier cosa podría ser, esa es la pequeña magia que debería tener todo lo que hagamos como intérpretes. 

            Otro video danza de coreógrafos 2 que causo mucha intriga en la mayoría de los participantes fue: abandono realizada en México, creo que estaba inundada de nostalgia y un poco de miedo referente al pensamiento de no querer estar solos, de que realmente una de las necesidades fisiológicas del ser humanos es sentirse acompañado y más que eso querido.

            Luego prosiguió la profesora Brenda Iglesia, exponiendo un tema muy mencionado últimamente, tenía por título: Crónica del acontecer e investigación sobre videodanza en la escuela de Artes Escénicas, punto muy importante para los que hacemos vida en esta facultad, se dio a conocer trabajos anteriores y se puro hacer una comparación de dichos trabajos con los de la actualidad. Siguiendo la ponencia el profesor Leonar carrero, con su tema Tecnología para la escena como proceso de transformación: del texto dramático al texto espectacular.

            Una muestra realizada unos minutos después fue bastante experimental y mostraba el resultado final de toda una investigación profunda y llevada a l práctica, llevaba por nombre: Elegía de muerte abstracta donde se mostraba de manera física y corporal el resultado de lo que fue la investigación de la teoría de la máscara, trabajo realizado por mis compañeros Harol Krisna y María Rodríguez.

            El segundo día martes 25, se siguió con lo programado en el cronograma, el profesor Daniel Méndez expuso un tema titulado: Exploración cuerpo en movimiento-cámara: ¿Videodanza?, de la cual muy personalmente no me pareció una ponencia apta para dicha actividad y no lo digo por el tema si no por el ponente, en ningún momento sentí conexión, me pareció que simplemente estaba allí sentado leyendo “como saliendo del paso” creo que a muchos de los espectadores nos causó el mismos efecto, hasta me pareció un poco irrespetuoso hacia todos los que estábamos allí, siento que en ningún momento tuvo dominio del tema y ni siquiera se le entendía nada de lo que estaba leyendo,  mis disculpas si mi opinión es un poco sincera pero creo que por ponencias como estas muchos pueden perder motivación por el evento, hasta el mismo evento perder seriedad, creo que las personas que vayan a exponer, deben tener manejo del tema y al menos un poco de presencia al sentarse a leer.    

            La MSc. Zenaida Marín expuso un tema que todos debemos tomar en cuenta y es el hecho de ver después d un tiempo largo videos donde quedaron grabadas algunas danzas, ensayos hasta incluso pequeñas improvisaciones, verlas después de ser olvidadas y redescubrir todo por lo que pasaba nuestro cuerpo en ese momento incluso hasta nuestra mente, tenía por nombré: En videos se registran las danzas y luego de algunos años es necesario pensar e investigar la relación.              

            Ahora creo que cuando investigamos nunca cerramos realmente un tema, siempre llegaremos a un punto que nos abrirá más preguntas y así consecuentemente hasta posiblemente crear nuestros propio concepto basado en nuestros propios criterios y conocimientos, conocimientos que nacen de nosotros mismos “nuevo conocimiento”, esto nos dará nuevas formas de percibir la obra, no es lo mismo apreciar algo sin saber nada del tema, a al contrario apreciarlo teniendo ya conocimiento sobre dicho tema.

            Uno de los puntos fundamentales a tratar fue el de que ¿Qué realmente es la video danza?

            Al cual respondieron muchos conceptos, personalmente hoy puedo decir que la video danza es un tipo de video arte  que combina diferentes disciplinas artísticas pero las más resaltantes redunda en el video como medio audiovisual manteniendo protagónica a la danza. La danza le agrega al video una expresividad física y corporal intensa, y por otra, el poder manipular la linealidad y el tiempo de la coreografía solo es posible en el video; así que se complementan fantásticamente. Detrás de esto existe realmente un cuerpo consistente que como expuso la Prof. Francia  deja de bailar para alguien y comienza a bailar para algo.

            Nos encontramos en uno de los momentos más tecnológicos de la historia del planeta, donde es nuestro deber utilizar todos esos hallazgos tecnológicos a nuestro favor, darle el real uso a la tecnología usarla para lo que realmente fue creada, si hiciéramos eso tendríamos infinidades de propuestas y descubrimientos, estoy segura que muchísimos más temas para hacer de ellos centro de investigación.

            Personalmente creo que existen algunas etapas al momento de investigar, considero el primero de ellos cuando encuentro ese punto importante al cual le realizare la investigación luego me pregunto qué es lo que se de ello, en algunos caso me resulta que no se nada y creo que es un poco más complicado porque no tener idea de que estas buscando es como buscar con los ojos cerrados, así que afirmo que para la base de cualquier investigación se debe tener una mínima idea o por efecto un referente de que es lo que vamos a buscar, esto facilitara nuestra investigación y hará mas rápido nuestro proceso de entendimiento y comprensión. Creo que no hay nada más complementario que un artista investigador, pues es de allí de ese preciso momento de donde surgieron todos esos movimientos artísticos todas esas propuestas que dejaron a el mundo con la boca abierta, terminando con simples actos llenos de majestuosidad interrumpidas horas de investigación, debería ser eso lo que llene nuestros corazones el querer saber más, el querer  hacer las cosas con un porque y un para donde, eso es realmente lo que moverá a esta nueva generación de artista en progreso o al menos eso espero personalmente.     

            Concluí en que como investigadores nos queda como obligación fundamental “nunca cerrar un tema” la investigación nunca muere, siempre hay algo más que saber, siempre hay algo más que indagar, no nos podemos quedar con simples conceptos, porque hoy en día más que nunca vivimos en un mundo veras que nos devora en un segundo donde el que sabe más, el que tiene más conocimientos tiene muchísima ventaja sobre el resto, y de eso se trata  no ser un caminante más si no intentar empezar a volar.